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ENTREVISTA al pintor Berto Martínez Tello

Quien haya seguido el twitter de @Arte_en_abierto estos últimos días habrá visto que me he dedicado a twittear, a pie del cañon, las novedades de SWAB ART FAIR 2012. Entre los artista que exponen este año está Berto Martínez, que participa en la feria de la mano de Berger Gallery, la galería que desde hace más de un año ha apostado por él. Así que en este post voy a recuperar (o reciclar) la entrevista que le hice con motivo de su última exposición individual.

La entrevista apareció publicada en marzo de este año en la página web de CIVINOVA, a raíz de un curso que hice sobre Comunicación 2.0. Os copio aquí la entrevista, pero os facilito también el link de CIVINOVA para que podáis ver la oferta formativa que ofrecen y los interesantes artículos de la revista digital.
Ahí va!
BERTO MARTÍNEZ TELLO. Entendiendo el mundo

La incursión de Berto en la pintura “vino sola”, sin una predisposición clara a ser artista pero, al mismo tiempo, sin separarse jamás de su bloc de dibujo allá donde fuera. Se mudó a Leipzing hará un par de años siguiendo la estela de Neo Rauch y de otros artistas que articulan la llamada Escuela de Leipzing, como Matthias Weischer o David Schnell.

La exposición que presenta, hasta el próximo 14 de marzo, en Berger Gallery es, aun contando tan solo veinticinco años, su segunda individual. Sin embargo, parece una consecuencia natural del trabajo realizado hasta ahora, aún más si tenemos en cuenta los numerosos premios que ha ido cosechando a lo largo de estos últimos años.

Berto Martínez destaca por su gran talento para el dibujo. La serie del Parque de Leipzing está compuesta por un conjunto de óleos y dibujos que ponen de manifiesto la madurez técnica del artista. Se trata de paisajes con estudiados puntos de fuga que cobran vida gracias a relieves compuestos tan solo por fragmentos de óleo recortados y trabajados a modo de collage.

Clara Park II. Camins (2011). Óleo sobre tela, 210×150 cm.

En la serie Pinturas Invertidas invierte, sin embargo, el proceso pictórico haciendo aparecer de manera espontánea imágenes inesperadas al rasgar la capa de imprimación aplicada en último lugar. Las formas aleatorias que aparecen evocan el sexo femenino o el nacimiento de una flor en referencia al proceso fortuito de creación de la naturaleza.

El artista explica esta experimentación con la forma de trabajar los materiales a través de un paralelismo: “Me hacía pensar en la cocina, en cómo se trabajan ahora los alimentos, se produce una metamorfosis en ellos. Pensaba en cosas parecidas en la pintura pero sin tecnología, ni químicos, sino de un modo más artesanal”.

Pintura invertida I (2011). Óleo sobre tela, 120×100 cm.

La serie Atelier tiene como leitmotiv el estudio del artista en Leipzing donde trabaja desde que se mudó para ampliar estudios en la Hochschule für Grafik und Buchkunst.

Como filosofía artística, Berto se muestra siempre sensible y receptivo a todo aquello que le envuelve: “es un ejercicio que me planteo, una lucha por no estar dormido”, explica con determinación. De ahí que imágenes de la película Stalker (La zona) del director ruso Andréi Tarkovski le sirvan de inspiración para crear una atmósfera brumosa y sugerente en la obra Configuración pictórica o que utilice el cuadro de Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya como punto de partida para una propuesta más conceptual como es la obra Génesis evolutiva.

Cuando le pregunto qué obra prefiere entre las que presenta en la exposición “Sóc aquí però puc ser en un altre lloc”, surge la dicotomía. Aunque, tras escuchar la pregunta, su mirada salta de una obra a otra, no duda en destacar dos: Atelier y, la ya mencionada, Génesis evolutiva.

Atelier (2011). Óleo sobre tela, 71×50 cm.

La primera, realizada en el modo en el que el artista se siente más seguro, tratando los matices pincel en mano. La segunda, motivada por su carácter nato de investigador, es fruto de la experimentación y tiende hacia la conceptualización. “En Génesis evolutiva la pintura sale del cuadro, está en desarrollo, algo tiene que crecer, es la obra como organismo vivo” explica Berto. El artista ha trasladado un pequeño fragmento de los Fusilamientos a un díptico de gran formato y nos lo muestra a través de una cuadrícula que parece encerrar una materia que cobra vida.

Génesis evolutiva (2011). Óleo sobre tela, 340×260 cm.

El eclecticismo de las obras puede dar la sensación de que el artista trabaja construyendo un discurso inconexo. Sin embargo, cuando le pregunto acerca de la variedad de líneas de experimentación abiertas, responde: “Aparentemente parece todo diferente, pero en realidad se habla siempre de lo mismo: intentar entender como son las cosas exteriores. No es que esté experimentando, es parte de mi obra, hago todo esto”.

Se podría decir que trabaja además en un modo ascendente. Cada obra es un escalón que nos lleva al siguiente nivel que se concretará con un nuevo cuadro. Ante uno de los lienzos de la serie Inversiones explica: “cada cuadro es una obra definitiva, pero yo ahora cogeré esta obra y le daré un segundo paso”, de este modo las obras se encadenan unas a otras para formar un todo.

Aunque estamos rodeados de su obra más reciente, ya me habla de las nuevas obras que han tomado forma en su cabeza. Intenta hacérnoslas llegar a través de las palabras mientras gesticula con las manos para hacer hincapié en un concepto o una idea que están a la espera de ser plasmados. Cuando hablas con él tienes la sensación que las ideas fluyen veloces en su cabeza, al igual que lo hacen sobre el lienzo, de un modo inquieto, que le lleva a saltar de una obra a otra, a veces sin haber dado por terminada la anterior, más por una necesidad de liberarse de todas esas ideas que aletean en su cabeza que por desidia.

La obra de Berto me gusta. Siendo yo un poco decimonónica, podría decir que por la pincelada suelta y rápida de sus paisajes, o por la forma en que hace que el azar diseñe algunas de sus obras, pero no es solo por eso. Es, sobre todo, porque es un artista inquieto, en continua y ascendente evolución, con una madurez artística que sorprende al saber su edad y que te lleva a preguntarte, tras salir de la exposición: y ahora, ¿qué será lo siguiente que haga?

Mesa redonda “Sobre coleccionismo” en la Fundación Godia

El lunes 26 de marzo tuvo lugar en la Fundación Godia, como cierre de la exposición Barcelona colecciona, una mesa redonda sobre coleccionismo.

Con la muestra Barcelona colecciona las salas de la Fundación Godia acogieron, por primera vez, creaciones contemporáneas. La finalidad, poner en relieve el papel de esta nueva generación de coleccionistas que ha surgido en España, receptiva a las diferentes tendencias del arte actual y con una vocación internacional.

La conferencia, full total, signo de que el tema interesa, sobre todo a los propios protagonistas. Conocidos coleccionistas ocupaban las primeras filas, acompañados en las filas siguientes por otros coleccionistas anónimos que se desvelaron en el turno de preguntas, galeristas y algún que otro estudiante (quizás en un busca de un post). Probablemente una de las conferencias a las que haya asistido con más corbatas y trajes de chaqueta.

Los coleccionistas que salieron a la palestra, moderados por Xavier Antich, presidente de la Fundació Antoni Tàpies, fueron:

Josep Maria Civit (Barcelona, 1947), diseñador y fundador de Taula de Disseny (1974), ha reunido una importante colección de arte, una parte de la cual se presentó, en noviembre-07, en el CDAN de Huesca bajo el título de “La Vida Privada” y el comisariado de Menene Gras Balaguer. Una colección que reune obras de artistas como: Joao Onofre, Jaume Plensa, Damien Hirst, Imi Knoebel, Jannis Kounellis, Ángela de la Cruz, John Armleder, Joao Louro, Dan Flavin, Candida Höfer, Robert Motherwell, Gerwald Rockenschaub, José Pedro Croft, Emma Kay, Enrique Marty, Hannah Collins, Javier Pérez, Joana Vasconcellos, Franz West, Jeff Koons, Joan Brossa, José Antonio Hernández-Díez, Ann Verónica Janssens, Ana Laura Aláez, Sylvie Fleury, Carmela García, Pierre Gonnord, Mk Käne, Per Barclay o Liliana Porter.

 Han Nefkens (Rotterdam, 1954) es escritor y coleccionista. En 2001 creó la “H+F Collection”, una colección de arte contemporáneo que se compone de fotografías, vídeos, instalaciones y pinturas de artistas como: Pipilotti Rist, Jeff Wall, Sam Taylor-Wood, Rirkrit Tiravanija, Thomas Ruff, Shirin Neshat o Felix Gonzalez-Torres, entre otros. Una parte de esta colección se presentó en 2008 en el Centro Cultural Rambla Bancaja de Alicante.
Actualmente, sus obras pueden verse en museos de los Países Bajos y del extranjero, como el Centraal Museum de Utrecht, el Museu Boijmans Van Beuningen y el FRAC Nord-Pas de Calais en Dunkerque, en los que deposita sus obras con préstamos a largo plazo.

Carlos Costa (Barcelona, 1959) es consultor de estrategia empresarial, estudió un Master en Business Administration en el IESE e Ingeniería Industrial. Ha trabajado en las oficinas de Londres, Madrid y Barcelona en The Boston Consulting Group. Es responsable de las prácticas de consumo, turismo y culture & arts en España y Portugal. En su práctica profesional, ha asesorado en temas de gestión a empresas líderes internacionales y españolas, a instituciones y gobiernos, así como a un número de instituciones artísticas como El Museo Nacional del Prado, Casa de Música de Oporto.

Juan Várez (San Sebastián, 1962) es licenciado en Derecho y estudió un Master of Arts en Pintura Antigua Europea de los siglos XVI y XVII en el Courtauld Institute de Fine Arts de Londres, especializándose en “El Retrato en las Cortes Europeas del Siglo XVI”. En 1991 comienza su trabajo en Christies Londres como especialista de pintura antigua para trasladarse seis años más tardes a Christies Nueva York donde forma parte del departamento de pintura antigua y colabora con el de Arte Latinoamericano, del que acaba siendo director en 1999. En el año 2000, es nombrado Consejero Delegado de Christies en España, cargo que sigue desempeñando en la actualidad.

De la familia Várez-Fisa, una de las colecciones más importantes de España y entre las 200 mayores del mundo según la publicación Artnews, con arte medieval, moderno; pintura, plata, cerámica, escultura; I Premio de la Fundación Arte y Mecenazgo de Coleccionismo. Juan sigue la tradición familiar, centrándose en arte contemporáneo. (Información C.V. ponentes: arteenlared.com)

Xavier Antich inició la conferencia presentando la figura del coleccionista, describiéndola como aquél que observa, selecciona, guarda y recoge objetos que tienen algo de precioso, no tangible ni cuantificable que va más allá de su valor de mercado.

No es de extrañar pues que la primera pregunta que diera inicio al debate fuera si es la pasión el motor impulsor de todo coleccionista.

La cita de Anton Herbert, “Yo no colecciono obra sino forma de pensar”, resumiría la filosofía como coleccionista de JOSEP MARIA CIVIT, que rechazó la idea de la pasión, a su parecer demasiado romántica. La pasión viene substituida en su caso por otras ideas, como el conocimiento o el compromiso. Así lo explicaba: “No tengo obras de arte sino maneras de expresar la contemporaneidad. No se trata de pasión sino de un archivo que intenta contar una historia para fomentar una reflexión, en último extremo es una manera de exponerme a mí mismo, con el riesgo de que sea juzgada la colección”.

Así pues su colección es concebida como una actividad de rememorar, de poner orden en el caos de la memoria. El miedo ha sido un gran motor para coleccionar, ya que esta voluntad de poseer refleja, en cierto modo, el miedo a la pérdida.

La colección de José María Civit se estructura en torno a criterios que la gente a la que va dirigida pueda compartir. Así pues, existe una parte trágica, que va de Auschwitz hasta el sida, y otra más banal que habla de la publicidad, las modas,… Todo ello para entender formas de pensar distintas. “Colecciono para sentir mi época, para dialogar con el presente, por un compromiso de tipo cultural, una aventura intelectual”.

Civit reconoció su afán taxonómico en coleccionar, clasificar y mostrar en su búsqueda de sentido. “Mi colección es una fábrica de significados. El arte es un objeto puro, no es práctico, así que su relación es con el propio sujeto, creando una relación única”.

En contraposición, JUAN VÁREZ reconoció su pasión y vocación por el coleccionismo. “Cachorro de ARCO”, como se definió, su colección empezó de forma accidental, pero también de un modo natural, quizás por ser hijo de coleccionista. Especialista en Pintura Antigua Europea de los siglos XVI y XVII, le marcó especialmente un viaje a NY, así como el entrar en contacto directo con los artistas, estudios, ferias… Persona tremendamente curiosa, confesó comprar con la cabeza y el corazón y sentirse atraído por disciplinas como la fotografía, el vídeo o la escultura.

“Pasión? Sí!” HAN NEFKENS, contundente en su afirmación, sería quizás el que más se aproximaría a la idea romántica de coleccionista apasionado. “Sin pasión no se puede entender el arte. La pasión es además recíproca, yo quiero a las obras de arte y ellas a mí”.  Esta pasión se concreta además en una necesidad de compartir, un placer especial en saber que aquello que le conmueve a él,  también puede conmover a los demás. Citando la exposición “You’re not alone” que presentó en 2011 junto a la Fundació Miró, comentó: “ése es el lema de mi vida. Siempre busco la forma de no sentirme solo” y un modo para conseguirlo es compartiendo su colección.

No obstante, y aunque pudiera parecerlo, Han Nefkens no colecciona “como un loco”, explicó, su forma de trabajar es tremendamente estructurada. Tras el encuentro inicial con la obra de arte, en la que al momento puede decir si la obra le gusta o si es buena, le sigue una fase muy racional en la que se cuestiona si dicho artista podría trabajar dentro de alguno de los proyectos llevados a cabo por H+F Collection o la Fundación ArtAids, dos de las fundaciones que dirige.

Para CARLOS COSTA los impulsos que le llevan a querer coleccionar son: la obsesión y una pronta inclinación para apreciar la belleza. “No sé si le llamaría pasión pero sí obsesión. A veces, cuando no puedes comprar una obra, te queda como una herida”.

ZHANG HUAN. Free tiger returns to mountains (2009)

Pero más allá de los sentimientos o motivos que impulsan a coleccionar, Xavier Antich plantea la pregunta de cómo se forma la sensibilidad del coleccionista. ¿Es educación o autoeducación?

Para Juan Várez, es la curiosidad lo que le lleva a querer saber más. Y para ello, es fundamental no hacer el camino solo. Parece sentimiento común entre estos coleccionistas un respeto hacia los diferentes agentes que participan en la escena del arte contemporáneo: galeristas, comisarios, directores de museos,… Sin embargo, también hicieron hincapié en “creer en tu propia intuición”, en la que Han Nefkens cree ciegamente, o en el predominio de una “dimensión personal”, según Costa.

Alejado de la idea de coleccionismo como acto acumulativo, Xavier Antich identificó la vocación pública de los coleccionistas privados como un acto de generosidad. Una generosidad intrínseca por definición al mero hecho de compartir, pero también revestida de un cierto exhibicionismo, como añadió Nefkens, al mostrar las obras una parte íntima del propio coleccionista.

Exhibicionismo, generosidad,… Pero, como dijo Várez, en el hecho de coleccionar late también un egoísmo constructivo, ya que todos estaban de acuerdo en lo mucho que reciben a cambio: el poder compartir las obras, conocer a los artistas, etc.

¿Pero cómo es la relación de estos coleccionistas con los artistas? Resulta muy interesante la implicación de Han Nefkens en todo el proceso creativo de la obra incluso cuando ésta es tan solo una idea en la mente del artista. Nefkens empezó a financiar a los artistas al darse cuenta de que muchos de ellos tenían problemas económicos para llevar a cabo la producción de sus obras. Así que ahora sigue todo el proceso, sintiéndose como “una comadrona” y obteniendo de este modo un resultado mucho más enriquecedor.

Josep María Civit comentó haber visto una escisión entre lo público y lo privado como nunca antes había visto en la historia del poder. Argumentó que esta división es debida a que las instituciones públicas pertenecen a una democracia muy amplia y el responsable se ve obligado a “hacer lo que tiene que hacer”, mientras el coleccionista privado puede dejarse llevar por su propio gusto.  “El poder real está en lo privado”, afirmó.

Aunque la conferencia fue muy interesante, eché de menos que en un momento como en el que estamos: con recortes brutales en cultura, un goteo constante de cierre de fundaciones, galerías y demás empresas culturales privadas, con la imperiosa necesidad de una nueva Ley de Mecenazgo,… no se tratará ninguno de estos temas.

La Ley de Mecenazgo se mencionó de pasada, a raíz de la pregunta directa de uno de los asistentes.  Han Nefkens, al igual que otros profesionales del sector apuntan, explicó que el problema es también cultural, por lo que no basta con cambiar las leyes, es necesario que el coleccionismo experimente un mayor desarrollo en España. Para ello, cualquier iniciativa como la mesa redonda que se organizó en la Fundación Godia será siempre un paso adelante.

OBRA DEL DÍA: “King”

“King” del artista de temática urbana MARC QUINTANA

Acrílico y fotografía bajo metacrilato, 80×200 cm.

DÓNDE SE PUEDE VER?

En la galería de arte BERGER GALLERY de Barcelona.

TE HA GUSTADO?

Sigue al artista de cerca a través de su página web.

La nueva publicidad del MACBA… Conectamos?

El otro día, de camino al trabajo, me llamó la atención unas banderolas publicitarias del MACBA, me parecieron geniales.  Claras y directas en el mensaje, sencillísimas en el diseño y, a mí parecer, resumen perfectamente el concepto de web 2.0.

El término web 2.0  hace años que existe, se acuñó ya en el 2004. Por lo que, con la rapidez que nace y se consume o evoluciona todo actualmente, no es de extrañar que ya se hable de  web 3.0 (la web semántica) e incluso de la 4.0. Sin embargo, creo que estos números consecutivos dan una falsa idea de progreso.

La palabra clave con la que se podría definir la web 2.0, o web social, sería COLABORACIÓN. El binomio “yo hablo/propongo/hago →tú escuchas/recibes/miras” ha pasado a la historia. Las relaciones ya no son unidireccionales. Ya no hablamos de audiencia o público, sino de comunidad. Una comunidad activa que no sólo consume, sino que además ahora es también capaz de generar y distribuir contenidos y productos culturales. Las relaciones jerárquicas se han difuminado y las actitudes tienen que evolucionar rápidamente adaptándose a este nuevo intercambio libre de contenidos.

Sin embargo, muchas veces no siempre se consigue crear la magia del diálogo y las flechas que se lanzan en una u otra dirección caen en terreno yermo. Porque no siempre las empresas, centros o instituciones culturales saben, o están dispuestas, a escuchar. ¿De qué sirve que un museo tenga en su página de Facebook 3.000 Me gusta si con ello no es capaz de generar diálogo, nutriéndose así de las aportaciones de la “comunidad” (público potencial)?. Y, a su vez, ¿aceptamos nosotros siempre los retos y propuestas que se nos lanzan?.

Por todo ello, ese repetido bascular de la flecha de un lado hacia el otro en la publicidad, MACBA → TÚ, TÚ →MACBA, me parece, repito, genial.

Así pues, nos conectamos y…  HABLAMOS CON EL MACBA?

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